有声电影诞生以后，歌舞片曾经一度是电影的主要类型。世界上第一部有声片是1927年的《爵士歌王》，由著名的爵士歌手阿尔森主演。这部电影后来受人质疑，因为它只有片断对话和部分歌曲、音乐，几乎还不算是一部完整的有声片，此外舞蹈缺少编排、乐曲的数量也不够，所以它还不是我们现在所说的一部真正意义上的歌舞片。

　　1929年米高梅公司的《百老汇旋律》被许多人真正公认为第一部歌舞片。这部号称“百分之百的对白，百分之百的歌唱”的影片在当时肯定是令普通观众和高高在上的影评家们都大开了一次眼界。它不但打破了票房记录，并荣获了第二届奥斯卡金像奖最佳影片奖。

　　在《百老汇的旋律》问世之后的30年代，是好莱坞歌舞片发展的第一个黄金岁月。虽然波及了整个世界的经济危机带给人们的是失业、贫穷、饥饿、压抑，但在电影里，歌舞片却以其特有的轻歌曼舞、虚幻唯美、华丽富足，频频登上好莱坞大舞台，满足着现实世界里苦闷不堪的人们，为他们的心灵提供着孤独的慰藉与寂寞的消遣。

　　歌舞片的灵感来自轻歌剧、杂耍歌舞，音乐喜剧、音乐剧、重音乐剧、歌舞剧以及轻歌舞剧等多种大众娱乐节目。它的舞蹈和音乐形式中则包括了西方舞蹈30-40年代的踢踏舞，50年代的爵士舞和之后的摇摆舞、芭蕾爵士和摇摆爵士等。

　　在1932年以前生产了数以百计的歌舞片，其中包括一些知名导演，例如金·维多、马摩里安等人。他们大多直接选择百老汇的舞台剧，但是这些歌舞片只是简单地纪录舞台演出，以及尽可能地让声音充满电影，缺少创新、逐渐失去观众，有人甚至质疑有声电影的艺术性，因为默片时代造就的电影已经到达了相当高的艺术境界，而歌舞片的到来则让电影看起来像杂耍。

　　就在人们都在怀疑歌舞片和有声电影存在的价值时，一个关键人物出现了，它就是巴斯比·伯克利，正是这个人宣告了歌舞片时代的到来，他第一个给予歌舞片以真正的电影形式，说起歌舞片，任何一本书都会首先谈到伯克利。不知道他，就不懂歌舞片。

　　当华纳公司沉浸在伯克利歌舞升平的大型演出之中时，短短几年内，跳舞女郎们组织化的、冷冷敲打的舞步，使观众就失去了新奇感。观众开始意识到歌舞表演其实并不需要一大群跳舞女郎如此铺张地表演，更重要的是，观众开始关注更加个性化的、需要发自内在激情的歌舞片。这个时候同样来自百老汇舞台的两个人成为观众的新宠，他们创造了新的模式，歌舞片的下一个里程碑到来了，

　　30年代，美国政府对电影中的暴力、色情、醉酒等场面进行严格限制，人们经常引用“在卧室镜头中男人至少有一只脚站在地上”来说明当时审查制度的苛刻。影片凡是出现了不符合道德准则的对白、姿势或是行为，轻者禁映，重者惩以巨额罚款。歌舞片一来可以避免与制片法则对“性、暴力”等内容的限制相抵触，二来可以为制片发行公司带来直接的经济收益，避免审查机构找麻烦。在叙事模式上，这一时期的歌舞片是“稳中求变”，大多沿袭了“歌舞＋戏剧”的叙事模式，伯克利式的歌舞虽然在视觉上非常壮观，但逐渐不能满足观众的情感需求，频繁重复带来了观影经验的单调。又一批更加生动的歌舞片营造的“欢快”、“温馨”的景象和浪漫甜蜜的爱情故事，奠定了后世歌舞片的发展走向。

　　米高梅的阿瑟·弗里德领导的小组为一种专业化的歌舞片建立了声望。其最具新意的作品是1944年的《相会在圣路易斯》和 1949年的《在城里》。前者的故事发生一个普通美国人的家庭而不是早期歌舞片中的演出业的人物身上，后者中的部分场景则离开了摄影棚，搬到实景中去拍摄。50年代伊始，弗里德的小组以《一个美国人在巴黎》、《雨中曲》成为歌舞片中的佼佼者。到 50年代结束时，弗里德的小组尽管已经告警，但一部《琪琪》 (1958)却似乎成为他们专业技巧的缩影。这部改编自小说的歌舞片即便就好莱坞电影来看，也可说是十分精细，它获得了9项奥斯卡金像奖。

　　到60年代，由于成本不断加大和电视电影的大量出现以及好莱坞海外市场的衰落，歌舞片已经开始危机四伏。由于急欲收回哪怕是部分投资，好莱坞重复了其 50年代末所犯的错误: 全力集中于制造那些在舞台上获得成功的戏剧改编的“庞然大物”，并且不顾演员的特点让其演出不适合他们的影片。这使一大批包括歌舞片在内的巨型影片遭到票房惨败。

　　此时的一个最著名的例外是《西区故事》。它既不是舞台原作的豪华模仿，也没有大牌明星压阵，但却以充满动感的韵律在纽约贫民区的背景中演绎了一场现代的“罗蜜欧与朱丽叶”的故事，获得了10项奥斯卡金像奖。这一时期获得成功的其它长篇舞台音乐歌舞片有《窈窕淑女》(1964)，它以奥黛丽·赫本取代了舞台本中的安德鲁斯。不过，安德鲁斯却在另外两部歌舞片中一圆演员梦，并获得观众广泛的认可。它们一部是交融着幻想与现实的《玛丽·波平斯》 (1964)，另一部则是同样获得奥斯卡金像的《音乐之声》(1965)。

　　巴斯比·伯克利是第一个给予歌舞片以真正的电影形式。说起歌舞片，任何一本书都会首先谈到伯克利。不知道他，就不懂歌舞片。他陆续为米高梅、华纳、20世纪福克斯公司和雷电华4家公司拍摄歌舞片，他指导过很多歌舞明星。在将近20年的时间里，他共导演和担任舞蹈设计50多部电影，伯克利在导演方面较少成功之作，但他为别人导演的歌舞片做舞蹈设计choreographer却成就了很多经典电影，比如《出水芙蓉》Million Dollar Mermaid (1952)，他对这些影片的贡献有的超出了导演。成为早期歌舞电影的重要奠基人。

　　总结伯克利歌舞片的特点，能让我们对好莱坞歌舞片这一古老的类型电影的特点有更好的了解。

　　一、豪华：影像奇观化，成本高昂是伯克利歌舞片给人的第一印象。他的影片在美工布景道具、服装化妆、摄影灯光、演员使用等方面都极为考究和奢侈。巴斯比·伯克利开创了歌舞片中的“鸿篇巨制”，他每次都聘用许多美貌并且身材一样的舞蹈女郎，列队成行，翩翩起舞。这种场面设计甚至被评为是“用女人的肉体组成的成花筒”（kaleidoscopic on-screen performances）。

　　二、几何构成：他的电影构图非常具有几何感，人事物或场面调度的重複性（repetition），即外表相似的舞者服装道具与平均重复做三次左右才换新的幻化样式，副层次感的蛋糕式舞台、旋绕缎带式舞台，顺时针或逆时针、离心或向心的舞者位移，图案翻出。群体性的变幻莫测的歌舞表演真正吸引人的地方，并不是高超的舞技，也不是奥妙的乐曲本身，它们最迷人的元素其实是来自於某种与早期的魅力电影（cinema of attractions）很相近的东西，符合人类最原始的审美规律。

　　三、摄影：他调度摄影棚的技术设备，结合自己的创新设计，利用镜面反射、灯光效果、特殊机位来拍摄构图新颖的歌舞片，例如在摄影棚顶部安装单轨移动拍摄场景，被称为“伯克利的顶拍”。他甚至从地板钻洞或挖开摄影棚顶，一切都是为了创造完美的映像角色。

　　四、电影化：伯克利最重要的发明是把镜头从台前的静止状态中解放了出来。以后，流动和富于生命力的镜头变成了歌舞片中的标准，而且可能是 30年代歌舞片中唯一最重要的电影在形式上的发展。它给予了歌舞片一种舞台无法做到的电影化的特点。观众在大银幕上领略了百老汇风格的舞蹈场面的豪华壮观，并且比现场观看还要美，这改变了歌舞娱乐的消费方式。

　　五、幕后歌舞片：伯克利的电影故事通常以“舞台背后”的故事为内容，被称为“幕后歌舞片”。伯克利之后人们又找到的一种渗入日常生活之中的歌舞片表现形式。